Compilado de entrevistas con Andi Watson, el diseñador de luces de la banda desde comienzos de su carrera, en la que explica su relación con la banda.
Has colaborado con Radiohead por casi 20 años. ¿Cómo se conocieron y cómo decidieron trabajar juntos?
La primera vez que los vi en vivo, eran invitados de una banda con la que estaba trabajando. Tocábamos en lugares pequeños y en ese momento había otra persona encargada del diseño. Me parecieron muy buenos, y me alegró mucho que me pidieran que diseñe sus luces después de que el diseñador original se dedicara a otros proyectos. [más información en la siguiente parte].
¿Cuál de las giras de Radiohead fue la más complicada y por qué? ¿Qué gira es la más memorable para vos? ¿Me podés contar sobre las luces que usaste en ellas?
La mayoría de las giras fueron bastante complicadas al comienzo, aunque en el pasado casi no tenía tiempo para programar la inmensa cantidad de canciones que la banda quería tocar en vivo. En las últimas giras, hemos tenido más tiempo para ensayos de producción, pero hemos intentado lograr muchísimo más. La última gira quizá fue la más relajada, porque todo salió hermoso rápidamente y fue muy flexible.
En lo que respecta a los equipos, probablemente seguimos un camino bastante preciso teniendo en cuenta el pasado. Para las primeras giras, no quería usar luces móviles, sino lámparas incandescentes fijas, y después cambiamos a lámparas fijas que cambiaban de color. El impacto era quizá más tradicionalmente teatral en esas giras. Después hicimos varios tours con sistemas de luces móviles, y hasta le agregamos un láser en [la gira de] la carpa, antes de la pared de LEDs Pixelline en la gira de Hail to the Thief, controladas por un software personalizado. La gira siguiente contó con un sistema de cámaras complejo por primera vez, y un sistema aun más complejo de proyección múltiple. Finalmente, claro, el diseño completamente LED de la gira In Rainbows, con su pantalla de video 3D de elementos pixel verticales, hechos de unidades HD Versatube de Element Labs, y la cámara múltiple remota usada para crear mucho de la salida de video.
¿Me podés contar más sobre la última gira y el sistema LED que desarrollaron para ella? ¿Cuáles fueron los objetivos técnicos y artísticos para ese desarrollo y qué costo ecológico conllevó?
El diseño de esta gira es la culminación de una idea de hace varios años; queríamos crear un campo visual dentro del escenario que pudiéramos llenar con color, en lugar de simplemente usar rayos de luz para iluminar los objetos o el humo. Por supuesto, el objetivo ideal sería cambiar la opacidad y el color del aire mismo, pero no hemos logrado eso todavía. Si nos acercamos tanto como nos permite la tecnología, a través del uso de 72 columnas verticales de luz, dispuestas en un patrón de grilla equidistante y mapeadas en 3D dentro de una versión bastante personalizada del Catalyst Media Server. Además de la grilla Versatube, teníamos un número de luces LED que hacían una iluminación más «convencional», y un videowall Nocturne v9 gigante en Ultra Widescreen detrás de la banda y los tubos. Eso hizo que sea más difícil ver el contenido perfectamente y aseguraba que se pierda la distinción entre los elementos visuales del escenario, para crear un espacio visual coherente. En términos de creación física del diseño, tuvimos muchas ideas ingeniosas – como colgar los tubos en rieles personalizados, para hacerlos desaparecer hasta que comenzara el show (esto era indispensable en los festivales) y como transportar todo. En lo que se refiere al software, usamos muchas ideas ingeniosas de técnicas de mapeo y después investigamos un poco sobre cómo podíamos hacer que el cerebro humano complete los vacíos de información en el espacio visual como para que el escenario se convierta en un todo, y no solamente un número de columnas.
Al comienzo de la gira, el único pedido de la banda era reducir la cantidad de luces incandescentes para ahorrar energía. Después de mucha investigación, decidí que la única forma moralmente correcta de encarar esto era con un sistema completamente LED. Me encantó trabajar en la creación de algo amigable con el medio ambiente que además fuera increíblemente hermoso. Por cierto, este sistema de gira usó un 20% de la energía que usó el anterior.
Lo que me pareció más hermoso de la pantalla lateral de la gira In Rainbows eran los efectos visuales que pusiste sobre las filmaciones que levantabas del escenario. ¿Me podés contar más sobre eso? el sonido analógico se transformó en luces y visuales.
Inclusive antes de usar el laser en la gira de la carpa, siempre estuve interesado en generar efectos en vivo. En el caso del láser, los espejos que lo desviaban estaban pegados en los conos de los parlantes, por lo que las ondas de sonido se creaban al hacer interactuar el láser con los instrumentos que la banda estaba tocando, a través de los amplificadores. Eso fue una revelación puramente sinestésica.
Para la gira In Rainbows, Richard creó varias opciones nuevas de análisis de sonido para Catalyst. Teníamos al ingeniero de los monitores mandando información específica de los canales de audio, y eso permitió analizar la música de la banda y representarla visualmente de muchas formas. Por ejemplo, en «How to Disappear Completely», usamos el Ondes Martenot de Jonny para generar una frecuencia en vivo, mapeando los niveles de intensidad con los Versatubes inferiores. También lo usamos para crear la cascada de frecuencia que se mueve con el tiempo en la pantalla de atrás, sobre las imágenes en vivo de la banda. Al mismo tiempo, la guitarra de Thom creaba una onda parpadeante e inconexa en los tubos más altos, arriba de la banda. La onda de la guitarra de Thom es muy fina a propósito y la enlazamos de manera irreconocible pero de manera sinestésica y eso eso hace crea un ambiente subliminal dentro el sonido que estás oyendo. El Ondes Martenot de Jonny, por otro lado, es un enlace muy fácil de ver porque tiene muchos analizadores de espectros lineales altos 3M.
fragmento de una entrevista publicada en el número 2 de Some / Things, en Marzo 2010. Texto por Monika Bielskyte.
Has trabajado con Radiohead desde cuando tocaban en pequeños clubes. Parece haber una afinidad mutua. ¿Han sido tus clientes más demandantes?
Desde el comienzo, Radiohead me dio la libertad de ser creativo y desarrollar mis propias ideas y estilo, Pasé varios años trabajando en algunas giras mundiales importantes antes de trabajar con ellos; volver a hacer shows en lugares pequeños fue una buena forma de poner en práctica la experiencia que había adquirido, las técnicas que había aprendido y también de probar cosas nuevas. Siempre intenté superarme cuando trabajé con Radiohead y hoy por hoy hay una expectativa de que la parte visual de los shows sea algo especial. Eso en si mismo es muy desafiante pero de manera gratificante y emocionante. Es siempre un placer colaborar con ellos y son un grupo de personas increíbles que te inspiran muy fácilmente. Creo que nos encontramos mutuamente porque parecemos tener una comprensión casi telepática del otro en ocasiones.
Sin embargo, otros clientes han sido más complicados debido a política o su actitud. En el pasado, trabajé con artistas y managers que hicieron mi trabajo más difícil de lo necesario sin ningún motivo más que porque podían. Eso es un desafío. Mantenerse enfocado y creativo cuando te falta inspiración y no querés estar ahí.
Si pudieras volver a un show como espectador ¿cuál sería y por qué?
Probablemente Radiohead en Glastonbury 1997. Mi recuerdo de ese show es un poco diferente a la del resto del mundo. Siempre se lo cita como uno de los mejores shows, pero para mi fue una pesadilla. La consola borró partes de la memoria mientras la banda subía al escenario; muchas de las luces no funcionaban bien y fue una experiencia estresante. Sin embargo, cada persona con la que hablo me dice que salió genial. A mi me pareció horrible. Me gustaría volver a ese show y verlo desde el público, aunque no creo que quiera revivir esa noche.
Contanos cómo diseñaste algo con LEDs para Radiohead por primera vez
La primera vez que usamos LEDs fue en la gira de Hail to the Thief, en 2003. Había estado siguiendo de cerca a algunas compañías que habían sacado luces con un gran número de LEDs de 5mm, y mientras investigaba nuevas tecnologías y accesorios, encontré el Pixelline de Thomas; son listones de un metro veinte con 18 células RGB independientes. Inmediatamente me enamoré de los colores, la sensación que transmitían y las posibilidades de modulación interna. Había fantaseado con usar paneles de video LED en el escenario pero encontré problemas por el peso, alimentación, etc. Me convencí a mí mismo de que podía crear una pantalla de 48 pies por 8 (y posteriormente, de 12) usando solamente 24 cintas verticales de unidades Pixelline espaciadas a dos pies. Podía engañar al público para que llenara los espacios que no estaban ahí programando cientos de patrones a lo largo de elementos individuales. Mientras estaba en eso, Richard Bleasdale – programador y desarrollador del software Catalyst Media Server – me salvó de una eternidad programando cientos de grupos. Me propuso usar su servidor de video para mapear niveles individuales RGB de pixeles en pantalla en valores RGB DMX en los Pixellines. Por suerte, Radiohead respaldó creativa y financieramente esta locura y me dieron luz verde. Cuando finalmente ensamblamos el sistema, era más hermoso de lo que había imaginado. Fuimos capaces de crear las imágenes más hermosas a lo largo de las pantallas usando el software que desarrolló Richard para la gira, aún cuando solo una pequeña fracción de esas 48 pies realmente estaba ahí. Fue una de esos momentos increíbles en los que mirás algo y te preguntás cómo lo lograste.
Fragmento de la entrevista publicada por PrintMag, el 21 de Abril de 2011. Texto por J C Gabel.
¿Cómo terminaste trabajando con Radiohead?
AW: Estaba trabajando con una banda llamada Frank and Walters; estábamos de gira en pequeños comedores universitarios y pubs. La banda invitada estaba formad por un grupo de chicos tímidos de Oxford llamada Radiohead. Tenían un diseñador de luces muy talentoso en esa gira llamado Nigel Powell, que los dejó para convertirse en baterista profesional (y uno muy bueno). Cuando él se fue, me pidieron trabajar con ellos.
¿Cómo es el proceso creativo con la banda?
AW: he trabajado con la banda en tantos proyectos a esta altura que creo que hemos desarrollado un lenguaje visual que tiene sentido para todos nosotros. En consecuencia, tengo una suerte terrible de que confíen tanto en mi que me dan libre albedrío en términos de diseño. Por supuesto, hay temas que subyacen a muchas canciones y como lo que diseño es un reflejo y producto de lo que escucho, debería haber una coherencia entre lo que ellos hacen y lo que yo hago. Estoy seguro de que no dudarían en decirme si no les gusta algo que he creado.
fragmento de la entrevista publicada por Dazed el 23 de Octubre de 2014. Texto por Leonie Cooper.
