18 de marzo de 2022

mark jenkin - thom yorke

Entrevista a Mark Jenkin, director de los clips de “The Smoke” y “Skrting on the Surface” de The Smile.

¿Qué te convenció de tomar este proyecto?

Honestamente, tomar este proyecto era una decisión obvia si tenés en cuenta quién me lo pidió. Además, la música es muy cinemática. Siempre hay una ambiguedad que deja lugar para algo más en la parte visual, y eso significa que no hay una tentación de hacer algo literal. Ese es un gran punto de partida para mí. Simplemente, tenés que hacer memoria de los videos asociados con la banda par ver qué tanto se presta la música para emparejarse con imágenes.
Mi estilo siempre se apoya mucho en el diseño de sonido, que es algo que me gusta hacer yo mismo, así que casi siempre que hago un video, siento que no puedo usar la mitad de mis herramientas. No fue el caso con esta banda. La música se presta mucho par trabajar.

¿Cómo les presentaste esta idea a Thom y a The Smile?

Fui bastante franco en la primera reunión y les dije que no tenía ideas específicas, algo bastante común al comienzo del proyecto, pero tenía una locación en mente, y a ellos les gustó eso. Después hice un video de 10 minutos con material de archivo, ejemplos de mi trabajo, filmaciones en el lugar y varios otros conceptos; después hablamos un poco sobre lo que tenía pensado hacer. Me parece que es la forma más efectiva y simple para comunicar ideas… imágenes y sonidos.

¿Qué te hizo decidir usar esta locación para el video y, si es que tuvo algún peso, qué tanto influyó la canción en la decisión?

Muy poco. Había armado esta idea para el corte anterior de la banda, pero terminamos haciéndolo para esta canción. Las imágenes y el montaje que tenía en mente no eran específicos para las letras, ya que desde el comienzo dijimos que estábamos contentos de que no sea algo literal o que tenga una narrativa. La locación fue el punto de partida y aunque no era específica para la canción, algunas coincidencias extrañas surgieron – relacionadas a las letras – durante el proceso. Obviamente, tenía que pasara así.

La canción suena etérea ¿te parece que eso se refleja en la mina?

No estoy seguro. A fin de cuentas, podés filmar en un mismo lugar de diferentes maneras. El material de la mina se ve y se siente completamente diferente a lo que experimentamos ese día. Por ejemplo, estaba muy bien iluminada y nos preocupaba – yo incluido – que se viera como un set de filmación. Pero la cámara, en especial el trabajar con film de poco metraje, hace que el espacio se vea muy diferente. 16mm tiene limitaciones que el ojo usualmente normaliza.
La locación es espectacular. Estar tan por debajo del nivel del mar [la mina está a 60 metros de profundidad] hace que te sientas en otro mundo si no estás acostumbrado a eso, pero no siempre es fácil capturar esa sensación al filmar. Todo se reduce a cómo filmas, como lo procesás, cómo lo ensamblás y cómo el corte se combina, contradice o confirma la música. La locación es el punto de comienzo, pero es un lienzo en blanco en términos de atmósferas.
Lo etéreo se da por cómo se intersectan los sonidos y las imágenes. Es la magia del proceso de filmación. Para mí, la mina es un espacio brutal; requiere mucho trabajo. Obviamente hay belleza en eso pero también hay dureza. Creo que la canción también tiene algo de dureza. Por eso, quizá el reflejo viene de eso. Lo que más me impactó de la canción es la producción; la reverberancia en la canción. Eso, en términos de sonido, refleja mucho el estar en una mina. La reverberancia natural en algunos de esos túneles es una locura. Estoy seguro de que podés escuchar conversaciones del pasado rebotando en las paredes. Hay una sinergia real entre estar sumergido y la producción de la canción. Reproducimos la canción mientras estábamos grabando y sonaba increíble.

¿Cuál fue la reacción inicial de Thom? ¿Se entusiasmó inmediatamente?

Creo que toda la banda se entusiasmó con la idea de la mina para la locación. Ese fue el puntapié; así que si, Thom estuvo de acuerdo desde el comienzo. Originalmente, no iba a estar en el video, pero a medida que progresamos con la idea y lo veía en muchos de los videos viejos, me di cuenta de que debía ser él. Toda actuación está motivada por un subtexto. Asumo que Thom sabe el significado de la canción, o al menos de dónde viene, por lo que supe inmediatamente que impregnaría lo que hiciera con ese subtexto sin importar las órdenes que le diera.
Si hubiera trabajado con un actor, el subtexto hubiera venido de otro lugar. No quiero decir con esto que no hubiera funcionado, pero me gusta la idea de que hay mucho en la cabeza de un minero mientras realiza trabajos físicos muy demandantes. No es una revelación que les diga que tiene una presencia realmente cautivante.

Radiohead tiene videos muy icónicos ¿te intimidó eso?

Si, fue algo muy intimidante al comienzo. Conozco muchos de los videos, pero volví sobre ellos y los miré todos juntos. Algo que fue obvio muy rápidamente es cuánta libertad tienen todos los directores y eso calmó mis ansias. Habiendo dicho eso, elegí no mirar el corto que Thom hizo con PT Anderson para Anima hasta terminar este.

¿Tuvieron alguna duda sobre filmar en una mina?

No, para nada. He estado en la mina varias veces antes y sabía lo que podía lograr ahí. La idea de estar tan profundo en un espacio tan pequeño es más aterradora que la experiencia real. Hay mucha paz ahí. Y como agregado, no tenés que preocuparte por el clima. Filmamos durante la tormenta Eunice y la tormenta Franklin y mientras en la superficie volaban cosas, nosotros no teníamos idea de lo que pasaba.
Además es un lienzo en blanco en lo que se refiere a iluminación. Tenés el control de un estudio pero el diseño de producción y la escenografía de una locación real. Filmamos una toma corta para mi última película ahí y sentí que no había terminado de explotar al máximo la locación. Había estado pensando, para ser honesto, en volver y sacar algunas fotos, con una sola fuente de luz, y después procesar los negativos con el agua que corre por los canales ahí y ver qué salía. La banda se acercó cuando yo estaba explorando ideas, y ahí pensé que podía convertir esa idea de las fotos en algo en movimiento.

¿Podrías explicar un poco el proceso de filmación? ¿Qué cámara y película usaste y por qué?

Filmé con negativos de 16mm blanco y negro usando una cámara Bolox H16. Después procesé manualmente los negativos en mi estudio y siempre interfiero un poco de alguna forma. Esta vez, solarizé partes del rollo iluminando el negativo durante el proceso con una linterna. A veces mezclo mi líquido revelador con un poco de pólvora y para este proyecto usé agua de la mina para completar la solución – tal cual como la junté, con los fragmentos de piedras, barro y minerales.
Podés ver mucho de eso en la versión final. Después subexpuse el negativo en tres pasos y lo llevé al máximo durante el proceso. Usé también rollos viejos que se habían velado para lograr una imagen bien plana, que después la llevé al máximo posible, El elemento final fueron unos 30 metros de película a los que les agregué lavandina y ácido sulfúrico en su emulsión; luego los lavé y sequé y grabé las letras de Thom con un cuchillo. Eso fue algo que también hice en el video anterior, “The Smoke”.

¿Qué te atrae de ese estilo de realización?

Me encanta el lado práctico de la realización audiovisual. Me gusta la parte de física del medio pero también la parte física del trabajo. Mientras más tiempo paso lejos de la computadora, mejor. Filmar con película significa no filmar demasiado, y eso es algo bueno cuando tenés que editar. Me gusta el elemento de resolver problemas en la edición, buscar maneras inusuales de cortar secuencias que no podés lograr si tenés material de tomas amplias. Me gusta también mantener las tomas lo más simples posibles. En lo que se refiere al personal, solo somos mi asistente y yo, una cámara, un lente, un medidor de luz y unos cuantos rollos de película. No hay exceso.

¿Cuáles fueron los mayores desafíos de grabación?

Como siempre, el principal desafío es el tiempo y el dinero. No fue diferente en este caso. Requirió un balance delicado. Necesitas suficiente tiempo para que la idea salga bien pero excederte no es algo bueno. Soy una persona que necesita tener herramientas para lograr lo mejor con mi trabajo, por lo que siempre pido más y más. La producción se dio muy bien esta vez.
En términos prácticos también hay desafíos. Entrar y sacar los equipos de la mina lleva tiempo. El departamento de arte, a cargo del diseñador de producción Joe Gray, trabajó muy bien mientras nos desplazábamos por los canales, y construyeron los sets en poco tiempo y en espacios muy estrechos. El empeño y el ingenio de Joe es una inspiración constante. Decidí grabar todo con una cámara manual, algo raro para mí, para poder correr y filmar tanto como podía. La mayor parte está grabada en 10mm para tener más libertad. Fueron dos días de estar colgado en el carrito, arrastrarme en los recovecos y subir y bajar escaleras para lograr los ángulos que queríamos.
La iluminación era un concepto simple pero complicado en términos de logística. Tendimos cientos de metros de luces (las que compras en una tienda de construcción) a lo largo de la mina y después las amplificamos con lámparas manuales. Como siempre, Colin Holt – mi iluminador – hizo maravillas con pocos recursos. El otro desafío fue la comunicación. Los teléfonos y las radios no funcionan en las minas así que toda la comunicación con el exterior se hizo a pie, y eso se sintió en los tiempos de producción.

¿Cuáles son tus próximos proyectos? ¿Planeas dirigir más videos?

Acabo de finalizar una secuela para Bait, una película de terror llamada Enys Men que debería llegar a los cines este año. Imagino que seguiré haciendo videos si la oportunidad aparece. Me gusta terminar algo rápido, en contraposición con la velocidad más lenta de un largometraje. Siempre hice videos cortos para experimentar con diferentes formas de narrativa de comunicación no narrativa, y los videoclips no me parecen muy diferentes a eso.

Publicado por shots.net, el 17 de Marzo de 2022.
Texto original por Danny Edwards

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