exitmusic·com·ar

Ed O’Brien conversó Chris DeVille de Stereogum, para la sección We’ve Got a File on You del sitio. Publicado originalmente el 4 de Mayo de 2026

Blue Morpho es el primer álbum de Ed O’Brien bajo su propio nombre, pero no es su primer álbum en solitario. Cuando el guitarrista de Radiohead se tomó por fin un tiempo suficientemente largo fuera de la banda para terminar su primer LP – Earth, de 2020 – inmediatamente el guitarrista se arrepintió de haber esperado tanto para terminar sus canciones. En su opinión, la ráfaga de inspiración inicial que materializó la música parece haberse apagado un poco durante los siete años de gestación del álbum.

Las cosas se complicaron desde ese entonces. Earth fue lanzado durante las primeras semanas de la pandemia Covid-19. Tener que cancelar giras fue una decepción, claro, pero el clima en el Reino Unido era bueno, y la vida dentro de todo, agradable. Recién cuando se anunciaron más aislamientos en el invierno, Ed se encontró solo con sus pensamientos, y cayó en una depresión profunda. Pasó la mayor parte del año buscando la salida de su noche oscura del alma, un período que trajo consigo una transformación personal y alimentó la creación de Blue Morpho.

Lanzado en Mayo, el álbum reune a O’Brien con el productor Paul Epworth y un equipo estelar de colaboradores, que incluye a Dave Okumu, Dan See, Yves Fernandez y más. El compositor estonio Tõnu Kõrvits colabora con los arreglos de cuerdas en dos temas; Shabaka Hutchings toca una flauta afinada especialmente en un tema, el compañero de banda Philip Selway está detrás de la batería en dos. Todos juntos, le dan vida a la visión que Ed tenía de las canciones, que varían entre excursiones grandilocuentes y llenas de groove e instrumentales contemplativos llenos de paz.

Fue un placer conversar sobre el álbum con Ed desde su casa en Gales, donde pasa la mayor parte del tiempo en el presente, inmerso en la naturaleza lo más posible. Luego, repasaremos momentos memorables de Radiohead y hablaremos de algunos de los proyectos fuera de la banda. 

Blue Morpho

Hiciste este álbum mientras te recuperabas de una profunda depresión. Esto fue durante los aislamientos por Covid – fue lo mismo que todos estábamos sintiendo o era algo diferente?
Fue más. No fue por Covid que entré en este estado oscuro. Fue más por el hecho de que Covid nos hizo parar a todos. El primer aislamiento – no sé si fue igual para ustedes aquí, pero estuvo soleado todo el tiempo. Nos estábamos adaptando. Estábamos preocupados porque era una novedad. Fue durante el segundo que todo se puso feo. Y fue mayormente porque no podía, como todo el mundo, hacer nada. Y eso me hizo detenerme.

Por primera vez en mi vida, me di cuenta de que no estaba ocupado. Y que deliberadamente me mantuve ocupado, o subconscientemente, para evitar procesar algunas cosas – particularmente de mi niñez y esos momentos. Lo que pasó realmente es que mi cuerpo, básicamente – hay un poco de un accidente feliz cuando estás leyendo o escuchando la canción o el libro perfecto y de repente ves algo. Estaba leyendo el libro perfecto para donde estaba y me di cuenta que nunca había procesado mis experiencias. Y mi cuerpo básicamente estaba conteniendo esta especie de depresión y me dijo ‘tenés que curarte’.

Y tuve que darme cuenta que necesitaba sanarme porque al comienzo no es obvio; enterramos profundamente todo esto. Fue un proceso de 9 o 10 meses y de repente vi lo que pasaba. Y era muy claro; era mi niñez y lo que vino después. Los seres humanos somos criaturas extraordinarias, y creamos corazas y respuestas. Son estrategias de supervivencia frente a lo que nos pasa.Y especialmente cuando eres joven, se convierte en parte de quien eres. Pero por supuesto, esas cosas que creas, esas protecciones y lo que crees son cosas innatas – pero no lo son, son solo mecanismos de supervivencia – para cuando tienes 50 se hacen insostenibles, y mi cuerpo simplemente me decía que afronte esto, que lo resuelva. Tenía que ver de qué se trataba todo esto y darme cuenta de cierta forma, llegar al nudo de quién soy.

Suena como si conectar con la naturaleza tuvo un rol muy importante ayudándote a descifrar eso
Muy muy grande. Sabía que tenía que sentarme en el fuego, en la oscuridad. Pero para mí, ahí es donde – las canciones de las aves a la mañana y caminatas en la naturaleza; sentí la divinidad. Hay un punto en el que, si te sientas en la oscuridad, me pareció y creo que muchos otros también lo han notado, llegas a cierto punto y sientes algo diferente – el espíritu de lo divino, o como quieras llamarlo. Y para mi, eso abunda en la naturaleza. Entonces, veía las aves y podía conectarme con ellas. Y me hacía sonreir, y me daba una sensación de profunda felicidad y conexión con todo lo que existe.

Algo que también me ayudó mucho fue enmarcar la situación como una noche oscura del alma; algo similar al Infierno de Dante. En la mitad de mi vida, perdí el rumbo. Los seres humanos hemos estado experimentando esto hace miles de años, y a veces lo llamamos “crisis de la mediana edad”, “depresión nerviosa”, o solo “depresión”; pero sentía profundamente que era parte de este viaje muy muy humano. Y mi trabajo era atravesarlo. ¿Qué aprendí? a sentirme incómodo, a sentir el dolor, todo esto, sabiendo que todo iba a mejorar, y que yo estaba bien. Y me cambió completamente. Estoy muy contento de haber experimentado esto porque no hubiera nunca logrado esta conexión con la naturaleza y lo divino que es una parte fundamental de quien soy ahora.

¿Hubo alguna experiencia o momento particular especialmente significativo durante ese proceso, o fue algo gradual?
Fue gradual. Es curioso, porque no hubo un punto de inflexión. Fue como en oleadas. Comencé a sentir una necesidad de estar en el agua; el agua en el río aquí en Gales; estamos muy cerca del Severn. Es el río más largo del Reino Unido, y el origen del río está a unas 10 millas de aquí. Nace en una montaña; es muy frío. [Este álbum] se sintió como si me metiera en el agua fría… algo que es difícil en sí mismo. Pero me pareció muy sanador, como si me lavara. Comprendí cosas como el bautismo, y por qué lo hacen en el agua. Pude ver que si tenés un río sagrado limpio es como si te limpiara el espíritu. Hay una especie de limpieza, del alma, por decirlo así.

Fue algo hermoso, y sucedió gradualmente. Y hubo momentos en los que dudé si alguna vez podría superarlo. 9 meses es un largo tiempo cuando estás en un lugar oscuro. Y estoy seguro de que algunos que están leyendo esto, quizá lo sepan también; esto no es nada nuevo. Hubo momentos en los que me preguntaba si lo superaría. Un día simplemente me di cuenta de que no me sentía así. No sentía la carga. Quería levantarme cuando llegó la mañana. Y me cambió por completo. Ahora, por la mañana, busco el canto de las aves. O sea, no hace falta que lo busque; está alrededor. Y me hace sonreir. Tengo un app de aves genial en el teléfono, Merlin; y soy bastante bueno con el canto de las aves locales. Los chochines son un espectáculo. Tuvimos un pájaro pequeño en Londres, que cantaba todos los días en un árbol; la melodía más maravillosa, todo el día, simplemente para nosotros. Tan hermoso.

Otra cosa que acompañó esto fue una creciente gratitud. Así que sí, a pesar de que es una experiencia difícil, agradezco haber pasado por eso. De hecho, ha sido uno de los mayores viajes – sino el más grande – de mi vida, o uno de ellos, sabes … la paternidad, y eso.

El comunicado de prensa menciona que Paul Epworth – productor del álbum – y vos se conectaron a un nivel más profundo. ¿estaba relacionado con estas epifanías que tuviste o con qué?
Con Paul – tu sabes, cuando conoces a alguien e inmediatamente sientes que lo conoces. Hablamos por teléfono antes de conocernos en persona. Nuestros hijos van a la misma escuela; sus hijos son más jóvenes que los míos – unos 10 o 12 años; pero teníamos un amigo en común que nos puso en contacto. Obviamente conocía a Paul porque es uno de los productores más renombrados y famosos del mundo. Y tuvimos una conversación; me llamó, y hablamos como una hora y media. Fue así. Conectamos, y fue tan hermoso. No solo es un productor increíble, sino que también compone, y era la primera vez que veía eso. Nunca trabajé con un productor que compone; es como que de la nueva vanguardia; trabajé con Flood, que es un tipazo y una leyenda; obviamente Nigel Godrich. Pero ambos son de una época diferente. Paul es uno de esos productor-compositores.

Eso fue genial para mí, porque hizo que las canciones sean más robustas; pudimos discutir ideas. Y tambin Riley MacIntyre, a quién debo mencionar también. De cierta forma co-produjo el álbum e hizo la ingeniería. Comenzó como el asistente de Paul pero se lanzó solo con Ezra Collective y otras cosas, muy geniales. Entonces, con Paul y Riley, tenía estos seres humanos hermosos y muy talentosos. No podía pedir nada más.

Pareciera que esta vez reuniste una banda completa, algo que quizá quieras que dure en el tiempo. ¿Era gente que conocías de antes y querías trabajar con ellos o son todos nuevos en tu vida?
Pues, básicamente vinieron de parte de Dave Okumu. Él reunió la banda. Mucha gente lo llama Dave, pero para mí es David. Tocó en mi primer álbum y es como un hermano. Paul, Riley y yo pensábamos que era hora de sacar estas canciones del contexto de mi estudio y llevarlas a una banda; algunas de ellas.

David hizo un show en Camden con su banda 7 Generations. Y fue extraordinario; lo contacté al día siguiente. Él reunió a la banda y básicamente es su banda 7 Generations. Ya había química entre ellos. Y David hizo algunos arreglos más. Hubo tres días en la grabación que para mí fueron utópicos. Estos tipos llegaron al estudio, y sabían lo que estaban haciendo. O sea, “Obrigado”, esa sección al final, fue un momento mágico. Hicimos dos tomas, y creo que nos quedamos con la primera. Teníamos la primera toma grabada pero hicimos otra, y fue genial.

Grabamos en el estudio de Paul, The Church, que es como una iglesia, un lugar sagrado. Era una iglesia en el pasado; y si, fue hermoso. Realmente poderoso. Muy poderoso y emotivo.

El final de “Incantations” ¿fue algo preparado de antemano o solamente una zapada?
Había hecho un demo para ese con acústica y voces. Esa fue una de las que le di a David. Él básicamente se juntó con Dan See, un baterista espectacular. Tomaron mi demo y tocaron encima, y le agregaron bajo. Y el bajo, sigue a mi guitarra. Y después la banda entra, y aprendimos ese arreglo. Ese fue uno de esos arreglos que no sabía cómo terminar. Pero lo que fue hermoso es que hay una especie de forma que tratamos de seguir. Tratas de llegar a un punto en el que el bajo se mueve alrededor y encuentra su lugar, y se asienta en un ritmo y se queda ahí. Es como un mantra. Y ese arreglo se convirtió en la configuración por defecto para la banda. La esencia es tratar de llegar a ese punto, y por eso suena como zapada.

Si, y se siente espontáneo y vivaz aunque hay muchísimo planeado. Hay mucho ritmo en “Teachers” también, con el bajo y la batería. Y la canción es un intro para “Solfeggio”, que no tiene ritmo prácticamente, y es como si fueras de un bosque al océano … diferentes paisajes.¿Te esforzaste en reflejar diferentes paisajes naturales con la diversidad de canciones?
Oh, esa es una buena pregunta. No, en realidad no. No fue algo consciente. Me di cuenta con los años que si quieres imponer algo en una pieza musical, el resultado es un poco insatisfactorio. Estoy aprendiendo a dejar ir. Y la alegría de ese proceso es lo inesperado y la incertidumbre. Literalmente sientes lo que funciona y lo que no. No es algo mental; es completamente intuitivo. Y la canción te guía. Me guía la canción. Y eso para mí, ha sido – creo que realmente le dimos prioridad a eso en este álbum.

En el pasado cometí el error de … no forzarlo, pero si tratar de llevar la canción en cierta dirección, y ahora simplemente me rendí. No sabía qué eran estas canciones. No tenía idea de dónde iban. Tenía una sensación, una intención. Y eso para mí es lo que me emociona en este momento sobre la composición. Es diferente cuando estás en una banda y contribuyes a un todo, pero esto es básicamente mi visión o mi sensación. Y estoy disfrutando eso. Me encanta la incertidumbre. La disfruto ahora. Nunca me pasó en el pasado.

Quiero preguntarte sobre la parte orquestal del álbum. En la intro de “Blue Morpho”, realmente se hace notar. Conociste al compositor, Tõnu Kõrvits, en Estonia. ¿Qué estabas haciendo allí?
Hay un festival musical fantástico en Tallinn, cada Mayo, y en 2022 o 2023 me invitaron para hablar, y después una sesión de preguntas y eso. Lo disfruté mucho. Me encantó Tallinn. Y al final del festival, la organizadora, Helen, organizó una cena íntima de la que participé con otra gente. Y me sentó junto a Tõnu Kõrvits, y me dijo “este es mi compositor estonio favorito”. Y Tõnu es, creo, un par de años más jóven que yo, así que estará en los 50. Teníamos muchos puntos en común. No solamente hace música clásica. Crecimos con muchas cosas similares. Le gustan los Nuevos Románticos. Creo que dos años atrás estaba alabando un concierto de Human League al que fue. Y nos gustan Echo & The Bunnymen y todos esos. Y al día siguiente escuché algo de su música en Spotify y es muy hermosa. Nos llevamos muy bien. Y al final me dijo que si en algún momento necesitaba arreglos de orquesta, bla bla bla”… y me pareció genial.

Avancemos en el tiempo cuatro meses; “Blue Morpho” y “Sweet Spot”, las canciones con arreglos de orquesta … llegamos a un punto en el que realmente quería que las canciones tengan arreglos de orquesta o algo con cuerdas. Y en lugar de recurrir a los arreglistas usuales geniales en Londres, o en el Reino Unido, pensé en Tõnu. Y se sintió nuevamente como uno de esos accidentes felices; esos momentos cuando alguien entra en tu vida. Lo contacté y él aceptó.

Usualmente, la única vez que vi arreglos de cuerdas fue con Radiohead. Y generalmente es Jonny el que hace los arreglos. Hace unos modelos hermosos. Y son realmente muy buenos. Los toca para nosotros y después, por supuesto, se graban con una orquesta, y es 10 veces mejor. Pero Tõnu me dijo que el software que estaba usando no era muy bueno, que no me iba a dar una clara idea y que prefería tocarlo para mí. Y grabaron en Tallinn, y fue genial. De nuevo, dejar ir, rendirse. Como pensando que no sabía qué iba a pasar.

Me mandó algo y fue absolutamente hermoso y cautivante y ¡como combina con las aves! Cuando le mandé el track al final, creo que se sorprendió mucho. Me dijo “oh, dios, las cuerdas están tan al frente”, y le dije que si, porque son geniales, deben estar al frente”. Así que si, otra vez esos accidentes felices maravillosos. Hay algo de sincronía cuando esa gente entra en tu vida. Y definitivamente haremos más música juntos.

También tienes a Shabaka Hutchings tocando la flauta en “Thin Places”. Específicamente tocó una flauta afinada en 432Hz en lugar del estándar de 440Hz. Entiendo que esta afinación tiene una importancia científica, biológica; lo ví en la nota con Rolling Stone. ¿Me puedes explicar más?
He estado escuchando cosas en 432 por un tiempo. Probablemente dí con ello en 2014 – como con muchas otras cosas buenas – en Glastonbury. Conversé ahí en el verano de 2014 con un amigo músico; y ella me preguntó si había escuchado la escala Solfeggio?. Le pedí que me cuente más y me dijo que es una escala antigua en la que muchos cánticos y música de la Edad Media está escrita. Es sagrada; no es solamente que la música es agradable. Tenía un efecto sanador, alentador y muy poderoso en el que trabajé a nivel espiritual y celular.

Por eso, cuando volví de Glastonbury, comencé a indagar. Y de repente dí con eso, y resonó conmigo. Tengo algunos libros viejos; parece que la mayoría de la música hasta el siglo 19 estaba compuesta y ejecutada en 432Hz. Eso significa que la afinación se estandarizó desde el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. La nota La equivale a 440Hz. Cuando agarras un afinador – puedes recalibrar la mayoría, pero vienen en el estándar. La equivale a 440Hz globalmente. Pero no era así antes. La entonación de concierto, creo, es 442. Pero 432 es mucho más plano. Y eso significa que suena más lleno.

Hay algo llamado cimática, que es una ciencia, creo. Se trata de atravesar ondas sonoras en la arena y ver que formas crea. En 440, cuando haces eso, obtienes formas borrosas. En 432, están bien definidas. Y eso es lo que pasa con nosotros y con nuestros cuerpos. La idea es que 432 es una frecuencia sagrada. Siento que tiene más cuerpo.

Y en eso he estado. El primer álbum que hice, me comprometí en parte con la idea. Es fácil hacer eso, recalibrar guitarras. Pero pianos, obviamente, están más fijos. No puedes. Lo que hice en este álbum fue dar un paso más. Por lo que reafiné el piano, y compré un piano eléctrico de una empresa en Estados Unidos llamada Vintage Vibe, que fabrican una especie de Fender Rhodes. Les pedí que lo afinen en 432, y creo que es el primero que hicieron así. Pero seguía pensando que debía comprometerme más con eso. Y creo que tuvo un efecto en la música. Y es interesante, porque cuando salió el artículo, James Blake y Ziggy Marley dijeron lo mismo. Ziggy Marley dijo que jamás volvería atrás. Yo tampoco. Cuando salga a tocar en vivo, será en 432, porque creo que es más profundo.

7 Worlds Collide (2001, 2008-2009)

¿Cómo terminaste involucrado en este supergrupo liderado por Neil Finn en Auckland?
Wow. A fines de 2000, mi esposa Suzi y yo estábamos de vacaciones en Nueva Zelanda y fuimos a ver a Neil y Sharon Finn. Neil me comentó que estaba armando un proyecto, que había grabado un álbum. Y tenía músicos sorprendentes con él. Wendy y Lisa participaron, creo. Sebastian Steinberg, que terminó en 7 Worlds. Me dijo “te va a encantar ser parte de esto”. Y acepté. Menos de un mes después, me llamó y me dijo que tenía a Sebastian, a Lisa y a Johnny Marr. No había conocido a Johnny antes de eso, y él era mi – como mi héroe de la guitarra. Fue una de las razones por las que me metí en eso. Era mi héroe.

Fue extraordinario. Neil nos reunió. Y Eddie Vedder se sumó. Y necesitábamos un baterista, por lo que sugerí a Philip, le pregunté y se sumó. Volamos desde el Reino Unido y fue una experiencia increíble – muy poderosa, no solo musicalmente. Fue intensa. Pero tocar con esta gente, para mí fue muy importante.

En la segunda iteración, compusiste una canción con Johnny Marr y los Finn. La escuché y es como una prueba piloto de Blue Morpho. Podés escuchar tu voz de compositor aunque creo que no sos el que canta en la canción.
No, no canto. Es interesante que quizá solo tenga un truco bajo la manga.

Oh, no, no quise decir eso.
No, gracias. Es interesante que cuando compuse esa canción, estaba en un lugar oscuro similar a esta vez. Quizá hay algo más en la melodía. Lo que me parece sorprendente de la música es que la música es esencialmente matemáticas e intervalos, ¿no? Es un patrón matemático. El hecho de que un patrón matemático pueda contener y representar la emoción de la persona que lo trajo al mundo … para mí, la composición no es – y voy a decirte algo … no se bien qué significa. No lo busco. Es simplemente .. estoy en este estado meditabundo y simplemente viene a mí. Y eso es, nuevamente, una de las cosas que me apasionan del proceso; el hecho de que este patrón matemático pueda contener la emoción que pueda estar experimentando en este momento. Y creo que ese es el punto con “Learn to Crawl”. Viene de un lugar bastante oscuro.

El debut de Radiohead en Saturday Night Live (2000)

Este es personalmente importante porque ese año comencé mi obsesión con Radiohead. Siempre recuerdo volver a casa de un baile de mi escuela y ver esta presentación. Es un recuerdo muy especial y que me formó. ¿Qué recuerdas de ese momento?
Literalmente volamos solo para eso. Recuerdo que cuando aterrizamos en [el aeropuerto] JFK, nuestro manager, Brian, tenía con él a su hija de un año, Molly. Él estaba en el frente de la van y se volteó y nos dijo que Kid A estaba en el número uno en Estados Unidos. Teníamos nuestro primer número uno en Estados Unidos, en Billboard. Y recuerdo que nos entrevistaron para Billboard y él dijo algo genial: “¿sabes qué? creo que es el número uno de Estados Unidos más extraño en la historia”. Me alegró.

¿Qué recuerdo de esa noche? Pues, teníamos la sección de vientos que tocó en el álbum, y sonaron genial. Stan [Harrison] era el tipo grandote en el saxo, y Andy [Bush], el trompetista, era como el líder. Fue genial. Es curioso pensar en los detalles que uno recuerda. Creo que tocamos dos temas, “The National Anthem”, ¿no?
Si, esa e “Idioteque”.
Oh, claro, “Idioteque”, genial. Recuerdo que hablamos de otra canción. Querían que toquemos “Pyramid Song”, porque creo que la íbamos a tocar también. Conversamos al respecto en el bar. Y – ya recuerdo sobre qué, era sobre contar. Nos preguntaron cómo contábamos esa. Y les dije que no contaba, que simplemente lo sentía. Y fue interesante, esa conversación con músicos increíbles, del mundo del jazz, que dependen de contar, y yo – recuerden, soy una especie de músico mestizo. Recuerdo eso, y recuerdo la sala verde. Recuerdo que después hubo una fiesta, y Joaquin Phoenix estaba ahí. Recuerdo que me senté frente a Dave Eggers – ¿sabes quién es?
Si, el escritor
Él mismo, estaba ahí. Todo fue un torbellino. Fumába mucha marihuana en esa época, por lo que siempre estaba un poco … el período Kid A … fumé mucho en ese momento, así que mi memoria no es muy clara.

Cuando dijiste que volviste de un baile de la escuela y te pusiste a vernos .. es hermoso escuchar esas cosas en contexto. Porque como músico, no muy a menudo escuchas esas historias personales. Porque puedes reflejarte en ellas. He ido a bailes de la escuela. Conozco ese punto en el que estás obsesionado con una banda y vuelves solo para verlos. Y particularmente, esa presentación de “The National Anthem”. Bueno, de ambos temas … fueron geniales – o sea, nunca miro nuestras presentaciones, pero creo que algo apareció en redes sociales de esa presentación, y “The National Anthem” fue … o sea …
Es una locura
Fue malditamente genial
[risas] Si, lo fue
Fue una locura. Estábamos en el punto justo. Habíamos hecho este álbum que no habíamos tocado en vivo; el primer álbum que compusimos en estudio, y ahora estábamos tratando de encontrar la manera de tocarlo en vivo. Eso fue todo un proceso. Pero esa versión, la forma en la que lo hicimos en vivo, no tiene la misma energía que el álbum porque es una cosa diferente. Pero creo que la versión en vivo es mejor
Cada vez que veo a Radiohead, siempre es una de las destacadas de la noche. Obviamente, no siempre tienen los vientos con ustedes.
Es un tema genial. En los últimos shows que hicimos, fue bien rockera, porque encontramos un punto justo con el tempo. No muy rápido, no muy lento. Y después, la segunda parte, después del quiebre, cuando entran los vientos, Thom tocó estos hermosos – como si estuviera tocando séptimas. Y fue genial. Se abre mucho. Es una canción muy divertida de tocar en vivo.

La aparición en Starby (2022) y en South Park (2001).

En este video de Starby, inhalas helio y luego cantas una canción sobre zapatos que rechinan. ¿Tuviste que realmente inhalar helio para esto?
No, creo que simplemente aceleraron mi voz. Si, fue asi. Es como todo. Es como cuando hicimos el episodio de South Park. Matt [Stone] nos llevó al estudio, y tienes que decir tu diálogo sin contexto. “¿podés decirlo más lento? ¿podés decirlo más rápido? OK, genial, listo!” Es así. Ellos saben lo que quieren, y uno simplemente trata de darlo.

¿Conocías a la gente que hacía Starby o cómo terminaste involucrado?
No recuerdo. Recuerdo el episodio con Jeff Tweedy; recuerdo que me pareció genial. Me gustó la locura. Pensé que era algo realmente hermoso, cómico y simplemente me preguntaron si lo haría. Les dije que si, 100%.

Grabar junto a Asian Dub Foundation y Sinéad O’Connor “1000 Mirrors”.

Tocaste algunas canciones con Asian Dub Foundation, en el álbum Enemy of the Enemy, del que también participa Sinéad O’Connor. ¿Trabajaste directamente con ella en algún momento?
No. Era un gran fan de Asian Dub Foundation; me obsesioné con ellos. Y después los trajimos de gira con nosotros. Abrieron las fechas en Europa de Hail to the Thief. Fue genial. Y estában haciendo este álbum con Adrian Sherwood, un pionero del dub, y me preguntaron si quería tocar algo de guitarra en él. Hice “Enemy of the Enemy”. Fue una sesión muy corta. Estuve en el estudio con Wood Green, y fue genial. Son geniales, y obviamente Adrian Sherwood es una leyenda. Pero no, no conocí a Sinéad. Solamente grabé un riff para la canción. Creo que lo toqué una vez o algo así, y después Sinéad hizo lo suyo sobre eso; extraordinario.

¿Qué te atrajo tanto de ellos? ¿por qué te obsesionaste tanto?
O sea, tienen una energía increíble. Lo que amé de la experiencia es que están muy politizados. Son como The Clash. Y lo que decían, y su comunidad, y ser primera generación de británicos-asiáticos. Y musicalmente, lo que amé de ellos es que tenían algo de dub – era gran fan de los bajos, las baterías y bajos, y las máquinas de ritmo. Dr. Das era el bajista. Me dijo que sus riffs de bajo – bastante cíclicos y repetitivos – son básicamente ragas. Tu sabes, ragas de la música india. Él las adaptaba, y me pareció genial.

Tenían un rapero increíble en un momento. El primer rapero era genial, Deeder [Zaman]. Y Steve [Chandra Savale] era el guitarrista, y me encantaba su estilo de guitarra. Usaba el wah, el delay en su Strat, de forma muy muy creativa. Y me gustaba esa onda raga, y todo el estilo dub. Creo que lo mezclaron de manera excelente. Pensaba que no se parecían a nada. Y sus recitales eran geniales; muchísima energía, y emoción. Los ví muchísimas veces. Uno de los recitales fue en el Barbican, que es donde vamos a tocar nosotros. Es un teatro hermoso, con solamente lugares sentados. Para cuando terminó el show, todo el público estaba parado, y el escenario había sido invadido. Fue una noche mágica. Eran músicos geniales – colectivamente. Eran un todo, por decirlo así.

Radiohead en MTV Beach House (1993)

Cada año, aproximadamente, material de Radiohead en MTV Beach House – cuando Thom salta a la piscina – se viraliza. ¿Cómo fue tu experiencia en MTV Beach House? ¿Lo disfrutaste?
Fue al final de nuestra primera gira por Estados Unidos. “Creep” estaba pegando fuerte, y nos puso en esta posición que fue realmente incómoda. O sea, la onda de la casa de playa – o sea, somos de Oxford; somos del punto más distante del mar. Y encima, fue en medio de California. Estábamos fuera de nuestro contexto, pero teníamos la obligación de hacerlo. El sello discográfico, estoy seguro recibió un buen soborno por esto.

Había un DJ llamado Kennedy, que me pareció estaba bien. Pero creo que Thom tuvo problemas con ella. Tu sabes, Thom tenía un umbral bajo en aquellos días – se estaba poniendo difícil. Para cuando terminamos la gira, habíamos hablado mucho; habíamos hecho muchas cosas, y estábamos agotados. Y al ponernos en un lugar como MTV Beach House, la respuesta fue brillante. Era como decir “aquí vamos de nuevo”, y él simplemente no quería saber nada. Creo que fue brillante.

Remezclar “Slidin’” de Paul McCartney (2020)

Me fascinó esto. Ya era una especie de canción de rock, pero tú realmente la electrificaste, la hiciste más intensa – una especie de “Helter Skelter”.
Esa era la onda; exactamente eso. Fue como “Helter Skelter”, esa versión, solo que más visceral. Más garage y más sucia; esa era la onda. Porque me parece que a medida que envejeces, todos nos ponemos más suaves, y pensé en transformarla en “Helter Skelter”, en algo de Neil Young. Y él es genial; fue muy divertido. Lo hice con Paul Epworth y Riley. Y Paul McCartney fue muy amable. Me llamó un sábado por la noche y me agradeció y me dijo que le gustaba mucho, y terminamos conversando muy bien. Así que si, fue algo divertido.

Asistir a la inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll de Radiohead

Philip y vos asistieron a la inducción de Radiohead al Salón de la Fama del Rock & Roll. ¿Cómo fue la decisión de que vayas? ¿Hubo alguna conversación grupal o algo así?
No, fue una cosa … fue 2019, ¿no? Fue un momento bastante malo para la banda. Dejamos de girar en 2018, y no nos estábamos hablando mucho. Obviamente nos invitaron a todos al Salón de la Fama. Creo que Thom y Jonny estában grabando, cosas con The Smile. Colin no estaba disponible. Y yo no quería ir; no me gustan las ceremonias …no me gusta ese lado de las cosas. Pero sentí, y creo que Philip también lo sintió, que los Estados Unidos han sido un lugar genial en términos musicales. Fue uno de los primeros lugares que nos aceptó; y además tenemos una gran … me sentía en deuda. Creo que el público estadounidense es muy abierto. Tienen esta historia; el jazz viene de Estados Unidos; el hip-hop. Y además tienen a The Grateful Dead. No se sentía bien faltar y no agradecer. Y eso fue lo que nos movió.

No tenemos Salones de la Fama aquí. No comprendemos. Pero recuerdo que cuando nos indujeron, nunca recibí tantos correos electrónicos de amigos estadounidenses y familiares felicitándonos. Me di cuenta de la significación cultural, y que era importante no pasar por desagradecidos. Agradezco mucho el hecho de que podemos girar por Estados Unidos y la calidez – tu sabes, solemos ser experimentales con los setlist, y las cosas pueden ir en cualquier dirección, pero a la gente le gusta. Y la música estadounidense también. O sea, hay mucho de lo que nos … o sea, amo la música brasileña, pero la estadounidense es nuestro comienzo. Todo lo que quería lograr con esta banda cuando era un niño en los 80s era subirnos a un bus y girar por Estados Unidos.

Philip y tú parecen tener una hermosa relación. Mencionaste que lo incluíste en el proyecto 7 Worlds Collide, y además toca en algunas canciones de Blue Morpho. ¿Cómo decidiste que esas canciones en particular serían para él? ¿Fue algo consciente o simplemente estabas trabajando en esas canciones cuando él estaba cerca?
No, fue algo consciente. Cuando salieron, les dije a Riley y a Paul “estas necesitan a Phil”. Es un baterista extraordinario. Siente las cosas, y tiene un peso y un alma, que es algo raro. O sea, no es coincidencia ¿entendés? Escuchá esto. Creo que fue hace unos años atrás, para uno de los cumpleaños de Ringo, que lo celebró en SiriusXM. Ringo estaba en la organización y le dijeron que querían que lo entreviste un baterista en ejercicio. Le preguntaron a quién quería y él pidió a Philip. Así que Ringo hizo que Philip volara a Nueva York para entrevistarlo y después tocaron juntos en el escenario.

Es único. Con el sonido de Radiohead, creo que hay dos cosas distintivas. Creo que obviamente es la voz de Thom, pero también la batería de Philip. Ahora, no significa que toque en todos los temas, pero hay algo en él que aglutina todo. Es interesante porque sigue mucho a Thom. Ese era su truco. Muchos bateristas,la gente sigue al baterista. Pues, él sigue a Thom y su guitarra rítmica, y el resto seguimos eso. Es de ahí que sale el sonido, realmente, o gran parte de él.

Es interesante. Definitivamente oigo lo que me decís sobre lo importante de su batería. Pienso en canciones como “Airbag”, o la mencionada “Pyramid Song”. Hay una especie de antigravedad en ellas.
Cuando tocamos esas en vivo, particularmente “Pyramid Song”, la batería en ese tema es extraordinaria. Y yo no toco nada al comienzo de esa canción así que tengo el beneficio y el lujo de poder mirar alrededor y ver a todos tocar. Y Philip estaba de espaldas a mí [en los shows de 2025], porque estábamos tocando en círculo. Pero podía ver sus brazos; no necesitaba ver su cara para sentir la gravedad de sus golpes. Pero la emoción – él es el corazón y el alma. Y es un regalo. Es un regalo poder tocar con alguien como él.